AVISO IMPORTANTE


domingo, 30 de enero de 2011

RECORDATORIO

Recuerdo los pasos necesarios para registrarse en el blog:

-Estar matriculado en el grupo de PFC
-Tener cuenta de correo de gmail (se puede hacer desde la página www.gmail.com )
-Enviar mensaje a esta dirección solicitando acceso al blog como autor.



Una vez estéis autorizados, podéis entrar al blog como autores desde la dirección http://www.blogger.com/home .
Para crear una nueva entrada no hay más que pinchar en “Nueva entrada”. Una vez tengáis escrito vuestro textos podéis añadir imágenes o videos pinchando en los iconos correspondientes en la barra de edición de texto. Cuando acabéis, solo tenéis que pulsar en “Publicar”.
Si tenéis alguna duda, no dudéis en preguntar.



Aprovecho para recordar el horario de tutorías:

Miércoles a partir de las 12:20

miércoles, 19 de enero de 2011

James Stirling


James Frazer Stirling (Glasgow, 22 de abril de 1926 - Londres, 25 de junio de 1992) fue un arquitecto británico. Nació en Glasgow, en Escocia, como James Frazer Stirling y estudió arquitectura en la Universidad de Liverpool. Terminados sus estudios universitarios trabajó durante varios años en un estudio de arquitectos de Londres y posteriormente estableció su propio despacho, también en Londres, con un socio, James Gowan.

Influenciados por las obras tardías de Le Corbusier, Stirling y su socio diseñaron varios edificios que marcaron un nuevo estilo, combinando en las fachadas el ladrillo con el hormigón visto. En 1963 se separó de Gowan, y en 1971 se asoció con Michael Wilford y a partir de ese momento asumió mayor liderazgo en el diseño.

Para Stirling un edificio debe reflejar el uso al que es dedicado, y ya que son personas las que protagonizan ese uso, el edificio debe mostrar una riqueza y una variedad de elementos en su fachada y no debe ser en modo alguno simple. Así, por ejemplo, un edificio dedicado a investigar o mostrar la historia, debe disponer de formas y elementos que evoquen los acontecimientos históricos en el transcurso de las diferentes épocas. La manera en la que estas formas y elementos se combinan consituye para Stirling el arte de la arquitectura.

Diseñar edificios más humanos es otra constante en la trayectoria de Stirling. Las consideraciones humanísticas del edificio, dentro de su entorno, dominan todo lo relativo a la estructura, la estética e incluso la economía.

A finales de los 70's sus edificios empezaron a adquirir colorido y ornamentación, por lo que algunos críticos sugirieron que Stirling era un representante del postmodernismo.

En 1981 Stirling recibió el premio Pritzker.


Obras representativas
-Facultad de Historia de la Universidad de Cambridge.(Inglaterra)


-Escuela de Ingeniería de Leicester.(Inglaterra)


-Centro de Formación de Olivetti, Haslemere (Inglaterra)
-Ampliación de la Universidad Rice, Texas (EEUU)
- Centro de Ciencias Sociales, Berlín (Alemania)
- Centro de Artes Dramáticas, Universidad Cornell, Ithaca (Nueva York) (EEUU)
- Escuela Politécnica Temasek, Singapur
- Ampliación del Museo Tate Gallery, Liverpool (Inglaterra)
- Edificio Anexo al Museo Fogg, Universidad de Harvard, Boston (EEUU)
- Complejo Residencial Runcorn New Town, Runcorn New Town (Inglaterra)
- Nueva Galería Estatal, Stuttgart (Alemania)
- Escuela Superior Universitaria, Singapur
- Fábrica de productos médicos de B. Braun, Melsungen (Alemania)



Nueva Galería Estatal de Stuttgart

La Nueva Galería Estatal de Stuttgart, Alemania, es una ampliación de la Galería Estatal de dicha ciudad inaugurada en 1984 y diseñada durante los años 1970 por el arquitecto escocés James Stirling. La Galería Estatal antigua (en alemán: Staatsgalerie Stuttgart) fue inaugurada en 1843, y en los años 1970 se quedó pequeña. Por esta razón se realizó la amplación del museo, la cual también incluye un teatro de cámara, una escuela de música, una biblioteca y un aparcamiento subterráneo.

Datos arquitectónicos
Este inmueble tiene muchas citas a obras arquitectónicas clásicas y contemporáneas. El trazado de su planta es clásico, se adapta muy bien al espacio urbano y tiene una gran funcionalidad. Fue aceptado masivamente por la ciudadanía y alberga una risa de ironía a la vez que divierte al espectador. Sin embargo, recibió duras críticas de algunos arquitectos.







Proyecto y diseño
En 1977 se celebró un concurso de idas para la ampliación de la Galería Estatal. Este proyecto albergaría además un teatro de cámara, una biblioteca y una escuela de música. El arquitecto escocés James Stirling ganó el concurso por unanimidad y tuvo como arquitecto asociado a Michael Wilford. Su proyecto recibió críticas de algunos arquitectos que lo calificaban de inhumano, totalitario y meramente formal, sin embargo, la aceptación ciudadana fue masiva. Este edificio está en la ciudad alemana de Stuttgart, en una manzana limitada por una calle de circulación rápida en su lado oeste y por otras dos calles que dan al sur y al este. Dentro de la manzana hay cuatro viviendas que no han sido demolidas.
El edificio antiguo del museo está al norte de la ampliación, y están unidos mediante un pequeño puente. En cada dibujo que hizo Stirling cuando diseñaba el inmueble hay una línea desde la que se articula el diseño. Esta línea es un camino urbano que atraviesa literalmente el museo y comunica dos calles opuestas. El diseño del museo está inspirado en la planta del Museo Altes de Schinkel, un edificio Neoclásico del siglo XIX ubicado en Berlín que resulta ser el primer museo del mundo diseñado para tal fin. Tiene una planta rectangular con las salas colocadas en los límites de éste y dispuestas en fila.
Hay dos patios interiores, una rotonda central con una cúpula y una escalinata exterior de acceso. La planta del edificio de Stirling es, por tanto, una evidente cita al museo de Schinkel. Las salas están también en filade describiendo en planta una U, y hay una rotonda descubierta en el centro del edificio. Este museo se inauguró en 1984.



Características exteriores
Este museo está elevado respecto del nivel del suelo porque su planta “baja” está sobre una primera terraza de unos tres metros de altura. En la calle que da al oeste hay una rampa y unas escaleras que suben a esta primera terraza. En la parte más baja de esta rampa y escalera hay un kiosco compuesto por cuatro pilares y un tejado, y está colocado a modo de arco triunfal que tiene que ser atravesado por la gente al entrar. En la terraza del primer nivel, a la cual se accede mediante la rampa antes descrita, está la entrada al museo, una cafetería y una segunda rampa que sigue ascendiendo para más tarde atravesar la rotonda central. Esta segunda rampa forma parte del camino urbano (accesible sin tener que comprar entrada del museo) que Stirling diseñó con aquella línea que configuró el diseño del museo. Las terrazas del museo también son de acceso público.
Las fachadas del edificio son de hormigón vertido con travertino revestido con placas de piedra artificial rosa. Sin embargo, el vestíbulo principal tiene una fachada acristalada con forma ondulada y con sus cristales reglados mediante barras metálicas. En la planta baja hay dos vestíbulos, un auditorio y una sala de exposiciones temporales. Este piso no tiene la forma de U característica de la planta primera. El piso más bajo del edificio está bajo la planta baja y alberga un aparcamiento que ocupa casi toda la superficie del solar.
La segunda rampa, es decir, la que accede al segundo nivel de terraza, describe una trayectoria en forma de L y después entra en la rotonda, bordeándola por su lado norte mientras continúa ascendiendo. Una vez atravesada, atraviesa el edificio y desciende por la biblioteca hasta llegar a la acera de la calle del lado este. Llaman la atención las barandillas de las rampas del edificio, las cuales son de color rosa y azul. El Teatro de Cámara está en un edificio adosado a la ampliación del museo en su lado sur y tiene su propio acceso, el cual está comunicado con la primera terraza.












 Citas a obras arquitectónicas
La rotonda central es un espacio sin techo delimitado por paredes que forman un cilindro y está atravesada por dos ejes. Uno de ellos es el del camino urbano que pasa por el borde norte, y el segundo es un camino que transcurre por el suelo y atraviesa la rotonda de norte a sur. Este último camino tiene en su entrada norte un gran trilito compuesto por dos gruesas columnas clásicas, y en su entrada sur hay unas escaleras que suben. Dentro de la rotonda también hay arcos, esculturas y plantas trepadoras. La rotonda central es una cita a la sala central del Museo Altes de Schinkel.
En el resto del edificio podemos encontrar otras citas como una marquesina colocada al norte de la rotonda, la cual tiene una estructura sobredimensionada pintada de colores chillones, recordando así a la arquitectura High Tech. Otra cita está en algunos pilares con forma de seta que rememoran los presentes en la “gran sala” de la sede central de la empresa Johnson & Johnson, diseñada por Frank Lloyd Wright. En el lado este del edificio hay dos tubos de extracción de aire del aparcamiento subterráneo cuyos tamaños, formas y colores son un cita evidente al Centro Pompidou.







 Interior
El vestíbulo principal está en la planta baja y a él se accede por la primera terraza. En su interior hay un banco pegado a la fachada acristalada y tiene la misma silueta ondulatoria descrita por la pared. En esta sala hay esculturas de personas y el mostrador de venta de entradas. Dicho mostrador tiene forma circular y está limitado por una serie de esbeltos pilares y un suelo de color distinto al resto. Este espacio circular pretende ser la rotonda del museo de Schinkel pero en escala pequeña. El techo del mostrador está acristalado y tiene más altura que el del resto de la sala.
En la planta baja hay otro vestíbulo, el cual es más usado que en anterior. En el interior de éste hay un ascensor que tiene una estructura de barras metálicas que sujetan su hueco y parte de una fachada inclinada. Estas barras son de color azul y son especialmente gruesas, por lo que son una cita a la arquitectura High Tech. En esta misma sala hay una rampa definida por dos tiros paralelos y conduce a la planta primera (al igual que el ascensor). Esta rampa tiene su descansillo apoyado en una columna demasiado gruesa que tiene su terminación superior en forma de punta de lápiz, evidenciando así el poco grosor necesario para sostener la rampa.
La planta primera tiene forma de U, alberga la escuela de música y las salas del museo. Por el ala este de esta planta hay unas escaleras que proceden de la rotonda y pertenecen al camino urbano, estando en consecuencia aisladas del museo. Las salas están colocadas en filade, al igual que el museo de Schinkel, tienen forma rectangular y cada una tiene un tamaño distinto. Cada una tiene un lucernario superior dividido en cuadrados, y los huecos que conectan las salas tienen molduras que recuerdan levemente a la arquitectura clásica. Los lucernarios tienen un diseño que rememoran el artesanado del techo del museo de Schinkel. El puente que une el edificio viejo con la ampliación tiene una columna con terminación superior de seta y lucernarios redondos. En el hueco que comunica con el edificio antiguo hay dos columnas que forman dos ventanas rectangulares a cada lado.







Otros edificios del proyecto
El Teatro de Cámara es un edificio adosado a la ampliación del museo y está en el lado sur del solar. Su fachada es diferente a la del museo y en su entrada principal hay una marquesina. Ésta es de cristal y tiene una estructura metálica sobredimensionada con tirantes rojos y una columna amarilla.
Junto al lado este del museo está la biblioteca, un edificio con dos plantas más que el museo. Su entrada está en la cara norte y tiene una marquesina con una estructura sobredimensionada que la sostiene. Su fachada es más alta que el último piso y sigue la línea de cornisa del edificio vecino. La parte baja de la fachada principal está acristalada y termina en un patio inglés.
La Escuela de Música está en el lado sureste del solar. Tiene una fachada curva y hay pequeños jardines junto a su entrada, la cual tiene piedras que la dan más presencia. La entrada del aparcamiento subterráneo está en la parte suroeste del solar, cerca de la entrada al Teatro de Cámara. En una pared del aparcamiento hay unas "ruinas" similares a las de Louis Kahn. Se tratan de unos huecos que simulan haberse caído unos bloques que forman el muro. Bajo estas aberturas hay bloques incrustados en la hierba que dan más realismo a estas ruinas.





Referencias

Carlos Scarpa

Carlo Alberto Scarpa, nacido en Venecia en 1906, es considerado uno de los autores más representativos del siglo XX.


 Intelectual, artista, arquitecto y diseñador fue un personaje aislado y polémico a pesar de haber dejado algunas de las obras arquitectónicos más significativas de la modernidad. 

Una personalidad ecléctica, cuya cultura fué impulsada por su relación continua con artistas, arquitectos y académicos. En palabras de su hermano Gigi, " vivía de la amistad, las conversaciones y los intercambios de opiniones y controversias con los artistas y escritores, colegas y amigos para quienes su casa y esta biblioteca estuvieron abiertas en todo momento."

Su formación tiene lugar en Venecia en 1926, donde se diplomó en diseño arquitectónico en la Academia de Bellas Artes y comenzó su actividad docente en IUAV donde continuará hasta 1977, ocupando cargos siempre diferentes.

En 1927 se inició una colaboración de Carlo Scarpa con maestros del vidrio de Murano, fué diseñador para la empresa Cappellini y C., donde experimentó durante cuatro años, la calidad y las posibilidades creativas que ofrece el vidrio como material. 

Este será un importante precedente para la futura colaboración con Venini, donde desde 1934 hasta 1947 Scarpa ejerció como director artístico de la compañía.

Para Venini, Scarpa participa en las exposiciones internacionales más prestigiosas del diseño y de la Triennale di Milano en 1934, dándole el título de honor para las creaciones de vidrio.

Desde 1948, con el montaje de la exposición retrospectiva de Paul Klee, comienza una actividad larga y prolífica colaboración con la Bienal de Venecia, donde experimenta sus grandes cualidades de constructor de espacios para obras de arte, confirmada por más de 60 museos y de exposiciones que diseñó internacionalmente en los últimos años. 

En 1956 es galardonado con el premio por sus proyectos para la marca Olivetti.
De 1954 a 1960 realizó serie de conferencias anuales para el seminario de becarios Fulbright en Roma por invitación de la Comisión Americana de intercambios culturales con Italia.

En 1967 obtuvo el premio de la Presidencia de la República para la arquitectura en 1970 se convirtió en miembro del Real Instituto Británico de Diseño en 1976 de la Accademia di San Luca en Roma.

Una serie de exposiciones individuales, le dan una oportunidad de presentar su propio trabajo en Italia y en el extranjero. Entre ellas podemos mencionar la del Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1966, en Venecia en 1968, Vicenza, Londres y París en 1974 y Madrid en 1978.

A finales de los sesenta crece su prestigio internacional . Si bien el clima cultural y político italiano tiende a marginarle, en el extranjero es cada vez más conocida y apreciada su dimensión intelectual.

Realizó muchos viajes a América del Norte para profundizar su conocimiento de las obras de los diseños de Wright y para el montaje de numerosas exposiciones. Memorables son las de la sección de Poesía en el Pabellón Italiano de la Exposición Universal de Montreal (1967) y la Exposición de dibujos de Erich  Mendelsohn en Berkeley y San Francisco en 1969.

Viajó por primera vez a Japón en 1969, pais que le interesó muchísimo y donde, en su segundo viaje en 1978, Scarpa murió en un desafortunado accidente en Sendai.

Sólo después de la muerte recibirá la concesión de un título honoris causa en Arquitectura, poniendo fin a una diatriba interminable sobre la legalidad de su obra arquitectónica en la ausencia de un título adecuado


Museo de Castelvecchio
Verona, 1957-64, 1967-70, 1974

La restauración y adecuación a Museo de Castelvecchio es una de las intervenciones más completas y maduras del trabajo de Carlo Scarpa.





El castillo, construido entre 1354 y 1356, fué destinado a lo largo del tiempo principalmente a uso militar.
La intervención de Scarpa, que comenzó en 1957 (en colaboración con Arrigo Rudi), constituye la piedra angular de un proyecto de renovación iniciado por Licisco Magagnato, nuevo director de los museos de Verona, que encuentra analogias con los proyectos de Museos de Génova, Milán y Venecia. La restauración del monumento, la construcción y las nuevas regulaciones se establecen de acuerdo con las teorías de la restauración de la postguerra.

El trabajo comenzó con la rehabilitación del ala Regia, antigua residencia de la familia Della Scala en el edificio del siglo XIV, donde fue inaugurada en 1958, una exposición sobre la Verona medieval "De Altichiero de Pisanello". El proyecto de Carlo Scarpa consistio en la creación de nuevas vías de acceso, nuevas pasarelas y las escaleras y el nuevo sistema de iluminación y de calefacción.
La renovación y el equipamiento museográfico son totalmente innovadores en la combinación de arquitectura antigua y moderna. Scarpa desarrolla soluciones de gran calidad arquitectónica para señalar algunos puntos sobresalientes.




Magistral es una fijación sobre un soporte de hormigón ligero de la estatua ecuestre de Cangrande della Scala, colocado en posición heráldica entre el fondo de las murallas medievales y las moderna composición de los paneles de madera que se hace eco de la arquitectura de Frank Lloyd Wright y la tradición japonesa.



Como era su costumbre, Scarpa presta gran atención a la elección de los materiales y su ejecución, así como al diseño de lo verde. El diseño del jardín, con senderos de piedra, tanques de agua y el rectángulo verde de grandes dimensiones rodeada de árboles seleccionados personalmente por el arquitecto, es una referencia a la cultura japonesa y a Venecia.

El museo fue abierto en 1964, continuando con la rehabilitación de la biblioteca en 1969-70 y en 1974 con la apertura de la sala de avena, dedicada a la pintura del siglo XVIII y se caracteriza por la fuerte nota de color de un techo azul cobalto, que recuerda pinturas de Luca Giordano .


Los cerca de seiscientos dibujos para el proyecto de la fuente de Castelvecchio importante para el estudio de uno de los maestros de la arquitectura del siglo XX.

CONSULTA DE PLANOS 




Otras obras destacadas

Referencias

miércoles, 12 de enero de 2011

Case Study Houses


Las Case Study Houses fueron experimentos en arquitectura residencial norteamericana patrocinados por la revista de John Entenza (después de David Travers) Arts & Architecture, quienes pagaron a los mejores arquitectos del momento, incluyendo a Richard Neutra, Raphael Soriano, Craig Ellwood, Charles and Ray Eames, Pierre Koenig y Eero Saarinen, para diseñar y construir casas modelo baratas y eficientes. La iniciativa se enmarcaba en el gran crecimiento de la demanda de casas residenciales en los Estados Unidos causado por el fin de la Segunda Guerra Mundial y el regreso de millones de soldados. La CSH #8 de Eames fue montada en forma manual en apenas tres días.

El programa empezó en 1945 y terminó en 1966. Las primeras seis casas fueron construidas en 1948 y atrajeron más de 350000 visitantes. Aunque no todos los 36 diseños fueron construidos, la mayoría de los que fueron construidos se realizaron en Los Ángeles; unos pocos en San Francisco Bay Area, y uno se construyó en Phoenix, Arizona. Algunos de ellos han quedado retratado en icónicas fotografías en blanco y negro del fotógrafo de arquitectura Julius Shulman.

Lista de diseños
Note: Numbers 17-21 were assigned twice for reasons unknown.
Apartments:


Imágenes y plantas varias













Referencias
http://en.wikipedia.org/wiki/Case_Study_Houses